martes, 11 de junio de 2013
miércoles, 22 de mayo de 2013
PREGUNTAS SOBRE TEXTO DE KRAKAUER
1-¿Qué motivaciones hizo que nazca el movimiento
Avant-garde?
2-¿Qué postura tenían los artistas del avant- garde
en cuanto al cine comercial y por qué?
3-¿Cómo se produjo el giro hacia el cine
documental en el avant-garde?
martes, 21 de mayo de 2013
NOUVELLE VAGUE
La Nouvelle Vague (Nueva
Ola) surge a finales de la década de 1950 por un grupo de jóvenes
intelectuales agrupados en torno a la revista Cahiers du Cinéma .Desde esta revista,
critican lo que consideran una fuerte sumisión del cine francés a la
literatura, rechazan la dominación ejercida por los productores sobre la obra
cinematográfica y reivindican la figura del autor como primera y más importante
entidad creadora del film.
Admiradores de Hitchcock, de Ford y de tantos otros
directores, estos jóvenes proclaman la grandeza del cine americano, del que
destacan el carácter “anti-intelectual” de sus westerns y de sus musicales.
Pero frente a la rígida organización de los estudios de Hollywood, estos
jóvenes plantean nuevos métodos de producción, con presupuestos muy reducidos,
que les permiten acceder a la industria por sus propios medios.
En los años cuarenta, el cine francés contaba con
dos tipos de cineastas y obras, según la crítica vertida en Cahiers de Cinema: los directores del cine de qualité, que los críticos despreciaban en ese
momento, y los autores más personales e incluso marginales (caso de Jean Renoir, Jacques Tati, Max Ophuls, MelvilleJ…),
que sí tendrían el respeto de los cineastas de la Nouvelle Vague. Por otra
parte, el cine francés tampoco experimentaba en esos momentos una renovación
estética, como sucedía con el neorrealismo en Italia, así que empieza a
sentirse una necesidad de cambio.
A esta situación se suman otra serie de factores que
tienen que ver con la aparición, a finales de los 50, de la Nouvelle Vague:
A.- La eclosión en Europa y Latinoamérica de un
nuevo cine, al que, en cierta medida se adelanta la Nouvelle Vague,con
reivindicaciones similares: ruptura expresiva con el canon clásico, historias
basadas en la realidad y, en gran medida, situados al margen de los procesos
industriales establecidos
B.-La importancia de la Cinemateca, con un fuerte apoyo estatal, surgida
en 1946 y que es foco de debate y reflexión sobre cine, -incluido el
norteamericano-, y publicaciones como Cahiers du Cinéma que surge en 1951, dirigida por André Bazin, revista emblemática y refugio
de los cinéfilos que habrían de ser directores significativos del movimiento.
C.-El cine norteamericano. Curiosamente y a la vez
que rechazan el cine de calidad, valoran los cineastas de la Nouvelle Vague el cine comercial estadounidense de
Alfred Hitchcock o John Ford, porque confirman su teoría de que el autor de la
película es solamente el director, que logra plasmar su personalidad a pesar de
las presiones e influencias del sistema de estudios.
No
debemos olvidar que los cineastas que formarán este movimiento son muy
heterogéneos por lo que cabe distinguir, al menos, una línea más experimental
en la que colocaríamos los nombres de Jean Luc Godard, Alain Resnais, o Jacques Rivette, y otra más centrada en la renovación temática y empleando
recursos más clásicos donde
situaríamos a Francois Truffaut, Claude Chabrol, Eric Romher y Louis Malle.
Pelicula Dirigida por Truffaut
“Les quatre cents corps”
FUENTES:
domingo, 19 de mayo de 2013
DADAISMO
El Dadaísmo es
un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voiltare en Zurich
(Suiza). Fue impulsado por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas
y luego se unió Tristan Tzara que llegaría
ser emblema del dadaísmo.
El dadaísmo surgió
por el desencanto que sentían estos artistas por la guerra (Primera Guerrera
Mundial) y como rebelión hacia el desinterés social característico de los
artistas del periodo entreguerras.
Con la intención de destruir todos los códigos
y sistemas establecidos en el mundo del arte. Los dadaístas promueven un
cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo
aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la
imperfección frente a la perfección.
La expansión del
mensaje dadaísta fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en todos los campos artísticos.
El dadaísmo
suele ser una sucesión de palabras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica.
Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte o lo fantasioso y por la constante negación.
El movimiento
puede considerarse como la primera de las revoluciones cinematográficas. Una de
las tendencias en las producciones audiovisuales dadaístas son la presencia de
la música en sintonía con las imágenes.
martes, 23 de abril de 2013
CINECOLOR
La información de una imagen analógica se transforma en
numero de un archivo digital
Secuencia de datos: Data 2k
Logarítmico
10 Bits
RGB
DCP
Tiene la información de la imagen, el sonido, la información
adicional (subtítulos), están comprimidos en JPEG 2000 y soporta frames de 24 y
48 (3D) cuadros por segundo.
Proceso de Restauración:
Primero se hace un análisis físico del material, después
se lo envía al laboratorio y se hace la restauración física para luego
escanearlas.
es importante dejar las características de la captura del momento,
ver hasta donde restaurar, ver que es propio del material y que no.
Corrección
de color
Es el proceso donde cada clip es modificado para conseguir una exposición y un balance de la luz correcta. Los negros, medios, blancos y la temperatura de color son modificados en función de su estado inicial. ¿Como sabemos si es correcta nuestra corrección? Mediante los scopes (vectoroscopio, forma de onda, parade), una forma visual y numérica que nos ayuda a medir la luz de nuestra escena.
Color
Trading
Es el proceso creativo donde modificamos los clips en función del look que le queremos dar. Por ejemplo, introduciendo nuevos colores, reforzando la iluminación de ciertos elementos, añadiendo degradados. En este proceso interviene el argumento de la historia y las sensaciones que el director quiere plasmar en el clip. Para realizar este proceso existe software específico como DaVinci Resolve o el recienteAdobe Speedgrade. De manera mas básica, con el propio software de edición comoAdobe Premiere o Final Cut Pro también es posible hacerlo.
Negros,
medios y blancos
También llamados sombras, medios tonos y altas luces. En esencia, todo programa básico de edición tiene la posibilidad de ajustar estas tres variables. Se pueden ajustar mediante curvas, niveles o sliders de color, en función del software utilizado.
Graba
con un perfil de color neutro o plano
Existen multitud de perfiles de color para las cámaras de vídeo o DSLR, pero el único perfil que nos permite tener un control absoluto a la hora de corregir el color es el plano o neutro. Con este perfil, aunque en el momento de grabar veamos una imagen “extremadamente sosa y plana”, conseguiremos los mejores resultados en post producción. El principal objetivo es capturar el máximo de información posible de sombras, medios y blancos. Por ejemplo, los perfiles “estándar” de las cámaras contrastan mucho las imágenes por lo que perdemos gran parte de la información en los tonos negros. Un buen perfil de color plano es elTechnicolor Cinestyle o el Neutro de Canon. En ambos, es recomendable bajar al mínimo el enfoque y el contraste.
Confia
en los scopes
No podemos confiar en nuestros ojos: una pantalla mal calibrada, la fatiga ocular, o nuestra percepción pueden alterar lo que en realidad vemos en pantalla. De forma gráfica los scopes nos muestran la información que hace referencia a la luz de nuestro clip. La forma de onda (waveform) nos muestra la luminancia. El vectorscopio la crominancia. Por último, el Parade los valores de Rojo, Verde y Azul. Estos indicadores muestran información del 0 al 100. Por ejemplo, si la forma de onda en la parte inferior llega al valor 0, significa que ya hemos conseguido un negro puro. En la parte superior, si llega a 100, significa que tenemos un valor máximo de blancos y si lo subimos más, aparecerá quemado (sobreexpuesto).
3
. Trabaja de forma ordenada
Desde que configuramos la cámara, grabamos, editamos y exportamos podemos perder calidad de imagen si no seguimos un flujo de trabajo (workflow) lógico y correcto. Sí, hay que ser ordenado e intentar seguir los pasos. No todos son necesarios, ya que dependerá del tipo de vídeo que estemos haciendo, pero es valido como norma general.
Elimina
los artefactos y ruidos.
Corrige
los clips ajustando negros, medios, blancos, saturación y balance de blancos.
Quita,
añade o refuerza la iluminación mediante máscaras (corrección secundaria).
Añade
degradados y filtros de lente variados.
Añade
el viñeteado.
Corrige
los clips según el look que les quieras dar.
Aplica
una máscara de enfoque y escala si es necesario.
Usa
las herramientas del propio software de edición
No hace falta usar grandes softwares de corrección de color para conseguir buenos resultados. Por ejemplo, en Adobe Premiere CS6 disponemos del efecto “Corrección de color tridireccional” que nos permite ajustar negros, medios, blancos y modificar la temperatura de color de forma fácil, rápida e intuitiva. Esta función es aplicable a otros programas como Final Cut Pro X, Avid o Sony Vegas. Otro efecto recomendable es añadir unas simples barras negras panorámicas para conseguir el aspecto 2.35 propio del cine.
5.
Ajusta primero los negros, blancos y medios
Ajustando los negros obtenemos una buena base para empezar a balancear nuestra imagen. Normalmente se suben los negros hasta que la forma de onda llega a
6.
En los medios está la vida
En los tonos medios es donde los tonos de piel se muestran tal y como son. Una vez tenemos los negros y los blancos ajustados, mediante los medios podemos conseguir un tono de piel correcto (básico en escenas de primer plano con actores). Además, también podemos añadir máscaras para reforzar la iluminación o el enfoque en dichas caras. Situando los valores entre 60-70 de la curva de onda (IRE) conseguiremos un buen tono de piel. Si subimos demasiado los medios, añadiremos ruido digital en la imagen y eso no nos interesa. Hay plugins comoColorista II de Red Gisnt Software que permiten visualizar de forma fácil si nuestro tono de piel es correcto, o por lo contrario, tiene un exceso de rojo, verde o azul.
El
secreto está en practicar
Como podes ver, para conseguir un look cinematográfico basta con seguir un proceso ordenado durante todo el rodaje. Cámara bien configurada, escenas bien iluminadas, una buena historia que contar, y unetalonaje digital simple y efectivo. Lógicamente, el nivel de corrección de color que tiene una cámara Red (RAW) no es lo mismo que una DSLR (H.264) ya que en el segundo caso perdemos mucha información. Aun así, hay cientos de vídeos espectaculares creados con cámaras DSLR y looks espectaculares. Así que ya sabéis, practicad mucho y sobretodo pasadlo bien. En la página de Blackmagic Design tenes algunosclips de libre de uso en Raw capturados con Arri Alexa para que podáis practicar.
Fuente:
D2 Visual
miércoles, 17 de abril de 2013
ESCENA DE LA PELICULA CONTROL
“La vida…bien
¿que importa? Vivo de la mejor forma que puedo. El pasado ahora es parte de mi
futuro, el presente esta fuera de control…”
Con estas líneas
comienza la películas Control, que trata sobre la vida de Ian Curtis, cantante
y compositor del grupo inglés Joy Division.
Control es la
opera prima del director holandés Anton Corbijn, mas conocido por haber
realizado video clips a reconocidos músicos como U2, Nirvana y Depeche Mode,
entre otros.
Este director se
destaca por su particular estética en blanco y negro, que utiliza tanto en el
área audiovisual como en sus fotografías fijas.
En Control se
puede ver fielmente su estética personal. Empezando por el tratamiento de la luz, grandes contrastes de luz y sombra
que logran transmitirnos ese sentimiento bipolar en el cual el personaje esta sumergido.
Y la imagen en blanco y negro realza el tono melancólico de la historia, dramatizando
así mas los contrastes entre claro y oscuro.
Tiene un ritmo
lento, utiliza muchos planos fijos, y en algunos casos planos con un pequeño
movimiento de travelling. El movimiento interno es mas fluido, los personajes
recorren el plano y muchas veces salen de el.
Utiliza mucho
los planos cortos para transmitirnos el sentimiento del protagonista.
La banda sonora
compuesta por temas de Joy Division, tiene gran importancia porque trabaja con lo
que esta viviendo interiormente el personaje, el escribe esas letras
depresivas haciendo catarsis de lo que
esta sintiendo.
La escena
elegida para realizar es significativa, ya que es el momento cuando Annik le
declara su amor e Ian se da cuenta que tiene que decidir que hacer con su
relación, que ya no puede seguir con las dos porque sabe que va a terminar
lastimándolas. Ian siempre se encuentra en ese estado depresivo y sereno, y en
pocas ocasiones sonríe tímidamente.
La iluminación
utilizada es natural, esta justificada con una lámpara detrás de la cama y una
ventana de un costado, pero igualmente hay un juego de luz y sombra en la cara
de Ian, que contrasta brutamente, perdiendo completa visión sobre algunas
zonas, este contraste marca la dualidad que siente el personaje, es un cantante
que esta triunfando en el mundo de la música y por otro lado se siente torturado por la
enfermedad (que padece.
En cambio la luz
sobre Annik es una luz pareja sin grandes contrastes.
Los encuadre
utilizado son bastante estáticos, no hay movimiento de cámara.
La escena se
compone mayormente de planos conjuntos, ellos sentados en el piso, mucho aire
sobre sus cabezas y corte en el pecho, y primeros planos, muchos mas expresivos e
intensos, también hay planos un poco mas abiertos, donde se deja ver que están
en una habitación.
En cuanto al
sonido es muy silenciosa, hay un dialogo, muy suave y muchos silencios.
Todas estas
características llevan a lo hablado anteriormente de cómo el director plasma en imágenes lo que es el sufrimiento
de este músico protagonista.
Propuesta
de Fotografía:
Desde
la iluminación se puede observar que esta escena tiene una luz dramática
e inverosímil.
Se
puede percibir una luz principal, que invade la habitación y proviene de la
ventana, y luego otras luces de relleno y contraluz en los personajes.
Los
personajes en cuadro tienen una iluminación especifica que los representa
emocionalmente, en el caso de Ian la iluminación es mucho mas contrastada en su rostro se
puede ver luz y sombra, en cambio la de Anikk es una luz mucho mas pareja
y suavizada, sin altos contrastes.
Propuesta de Arte:
La película transcurre en
Inglaterra en la década del 70. La habitación de la escena esta
ambientada con muebles de época, un televisor acorde y unos
veladores.
Utiliza mucho las texturas, la pared
esta empapelada, y el acolchado y la cortinas tienen sus propias tramas.
El vestuario de los personajes es
bastante contemporáneo, no es tan característico de
la época. Lo mas particular es el corte de pelo que tiene Ian.
Propuesta de Sonido:
El tratamiento de sonido es bastante
simple en esta escena ya que esta compuesto por diálogos y sonido
ambiente. Se utilizarán dos corbateros y un boom para tomar el sonido en rodaje.
Espacios
A continuación defino los espacios de una escena de la película Control, la vida de Ian Curtis según la definición de Rohmer.
Pictórico: Un
dormitorio de hotel en Manchester, Inglaterra en la década del 70´.
Fílmico: Ian
y Anikk están en una habitación de hotel mientras están de gira con Joy
Division, esta habitación funciona como lugar central e impersonal, y estando
acá lejos de su domicilio real ( Macolesfield) donde Ian convive con su esposa,
se ve que ambos tienen la libertad de expresarse más francamente.
Arquitectónico: El
dormitorio de un departamento en Buenos Aires.
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